Museos Tradicionales y Museos o Galerías Virtuales

Hay museos que existen físicamente y tienen uno virtual como por ejemplo:

http://www.estudiorich.com.ar/GALERIAVIRTUAL.htm

Y otros que sólo son virtuales, como…..

Actualmente existen los llamados museos o galerías virtuales, donde los establecimientos más prestigiosos del mundo han realizado una página Web para que todo el mundo pueda contemplar sus maravillosas obras sin tener que poner un pie fuera de casa.

Un museo virtual es la colección organizada de artefactos y recursos de información. La colección puede incluir pinturas, dibujos, fotografías, diagramas, gráficos, grabaciones, segmentos de videos, artículos periodísticos, transcripciones de entrevistas y bases de datos numéricos.

Además de fomentar la investigación a través de todos estos recursos, puede constituirse en un foro de discusión así como un espacio de intercambio en línea. Puede inclusive ofrecer ligas a grandes recursos alrededor del mundo relevantes para el enfoque principal del Museo.

Ventajas de museo virtual:

·         Puedes acceder a todos los fondos no sólo los expuestos.

·         Incluyen visitas guiadas e información de las obras.

·         Podemos acceder con suma facilidad a la obra que deseamos admirar ya que son páginas que están bien organizadas.

·         Tienen motores de búsqueda que facilitan el acceso a una obra concreta.

·         Suelen incluir bases de datos sobre obras de arte de distintos lugares del mundo.

·         Sirven para la enseñanza a distancia en los colegios.

·         Incluyen clases didácticas regulares.

·         La magnitud de la inversión es mucho menor a la de un museo real.

·         Sus requerimientos de espacio físico son mucho menores a los del museo real.

·         Los permanentes avances en el campo de la tecnología y el software para Internet permitirán propuestas de comunicación cada vez más ambiciosas y efectivas, haciendo más sólida la propuesta del museo en la medida en la que el tiempo pasa.

·         Accesibilidad desde cualquier punto de la República las 24 horas del día los 7 días de la semana.

·         Posibilidad de que cada visitante del Museo lo visite cuantas veces lo desee sin un costo adicional al que le represente acceder a Internet en su conjunto.

Desventajas:

• No hay museos de cómputo en español y los que existen en idiomas distintos del inglés tienen una versión también en este idioma.
• Ninguno ofrece recursos bibliográficos en línea.
• Tiene un menor impacto en cuanto a su objetivo de ofrecer acceso a informática a la población que aún no tiene acceso a éste tipo de tecnologías.
• Acceder al Museo requerirá de contar con habilidades mínimas para interactuar con la computadora y con Internet, lo que limita en gran medida la población a la que se va a atender.

Fuentes y ejemplos: 

http://www.arqhys.com/arquitectura/museos-virtuales.html

http://www.artedehoy.com/html/museosvirtuales.html

http://www.slideshare.net/miko2010/museos-virtuales-2232626

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3568.htm

http://www.estudiorich.com.ar/GALERIAVIRTUAL.htm

http://www.museodelprado.es/

http://www.guggenheim-bilbao.es/visita_virtual/visita_virtual.php?idioma=es&utm_source=visita_virtual_es&utm_medium=visita_virtual_es&utm_term=visita_virtual_es&utm_content=visita_virtual_es&utm_campaign=visita_virtual_es

http://www.guggenheim-bilbao.es/secciones/el_museo/el_edificio.php?idioma=es

El Neoexpresionismo

Es un movimiento pictórico postmoderno surgido a finales de los años setenta en Alemania. Este movimiento Neoexpresionista se expandió rápidamente por toda Europa teniendo su homologo en la conocida transvanguardia Italiana. Este estilo surgió como una reacción al arte conceptual que lideró las corrientes artísticas en la década del setenta. El Neoexpresionismo se caracterizó por una fuerte propuesta visual, en donde predominó, el gesto, la mancha y la utilización de figuras fácilmente reconocibles para así, diferenciarse de la pintura netamente abstracta.

En Los Estados Unidos también surgió una corriente Neoexpresionista en donde su exponente máximo fue el neoyorkino Jean Michel Basquiat. La pintura de este artista engloba la búsqueda de la pintura neoexpresionista. La mancha, el garabato y el humor callejero y una manifiesta crítica social.

El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.

Georg Baselitz

Artista alemán, cuyo expresionismo figurativo contribuyó al renacimiento del arte representacional a finales del siglo XX. Baselitz, cuyo verdadero nombre es Georg Kern, nació en Deutschbaselitz, Sajonia, el 23 de enero de 1938. Adoptó el nombre de Baselitz en 1956, cuando se trasladó a lo que entonces era Berlín occidental, después de su expulsión de la Kunstakademie de Berlín oriental.

Entre 1957 y 1964 asistió a la Academia de Arte de Berlín occidental, donde estudió con Hann Trier. Su primera exposición se realizó en 1961 en esa ciudad, junto con la obra del pintor Eugen Schönebeck, con el que publicó los manifiestos Pandämonium en 1961 y 1962.

Tras alcanzar una considerable fama, recibió numerosos premios y fue catedrático de pintura en las universidades de Karlsruhe y Berlín. Sus primeras obras, con una fuerte influencia del Art Brut, se caracterizaban por la profusión de imágenes sexuales explícitas.

A fines de 1960, comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo. También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera.

Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980.

Obra destacada:

George Baselitz: "Cena en Dresde" (1983). Zurich

En esta obra, matiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resulta do de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".

Podemos creer que Baselitz no ha pintado sus cuadros verdaderamente boca abajo, sino que se ha limitado a colgarlos del revés.

Tal vez en ese tipo de cosas quiera Baselitz que reflexionemos cuando cuelga sus cuadros boca abajo. El mundo al revés.

Enlaces:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/munch.htm

http://apreciandoelarte.ning.com/group/lasartesplsticasenlasegundamitaddelsigloxx

http://www.artequinvina.cl/prontus_artequin/site/artic/20080725/pags/20080725170411.php

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2669

El Hiperrealismo

Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el Hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El Hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.

Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.

Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

Son importantes representantes de esta tendencia D. Hanson, J.Salt, D. Eddy, C. Clarke, J. de Andrea, J. Harvorth, A. Dworjowitz, C. Bravo., entre otros.

Artista elegido:

Chuck Close

Nació en Monroe, Washington (1940) y es un pintor estadounidense célebre por sus gigantescos retratos basados en primeros planos fotográficos.

Los rostros que pinta, y que llegan a medir hasta 3 metros de altura, reflejan cada una de las arrugas y poros del retratado. Su técnica consiste en proyectar una fotografía sobre el lienzo previamente cuadriculado y trasladar metódicamente, cuadrícula a cuadrícula, la imagen a la tela.

En 1964 obtuvo el doctorado en Bellas Artes en la Universidad de Yale, y en 1964 y 1965 estudió en Viena (Austria) gracias a una beca Fulbright.

De 1965 a 1967 fue profesor de Arte en la Universidad de Massachusetts, en Amherst, y posteriormente se trasladó a vivir a la ciudad de Nueva York.

Pintó su primer cuadro a partir de una fotografía en 1966 y en los siguientes años realizó una serie de retratos enormes en blanco y negro.

Para crear sus obras, Close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora.

Close, con frecuencia, ha regresado a las mismas fotos para pintar una y otra vez con técnicas diferentes. Una foto de Philip Glass se incluyó en su serie en blanco y negro en 1969, rehecha con acuarelas en 1977, de nuevo rehecha con tampón y huellas dactilares en 1978, y también lo hacen como gris papel hecho a mano en 1982.

En 1988 un trombo en una arteria le provocó una parálisis parcial que le obliga a utilizar silla de ruedas. No obstante, continúa pintando con la ayuda de unas pinzas de bronce y un caballete móvil especialmente diseñado para él.

Obra destacada:

Autorretrato, 2000 , Chuck Close.

Desde retratos de una distancia cercana a ver casi como las fotos de personas a través de una puerta de la ducha. Cuanto más te alejas de los retratos más realistas de la foto en que aparecen. Como te acercas a ellos comienzan a aparecer más y más abstracta.

Autorretrato, 2000 , Chuck Close (parte del ojo derecho).

Sobre la inspección más se puede ver que un adulto es usando algunos trucos color agradable combinada con su capacidad interna de los ojos perciben y mezcla de colores a distancia. A medida que se alejan de sus retratos y sus promedios ojo mezcla los colores tanto como lo hace cuando nos fijamos en la imagen impresa patrón de semitonos en una foto en color periódico. De hecho, ha emulado a los procesos de impresión CMYK en el pasado por lo que este puede ser exactamente lo que está haciendo aquí.

Enlaces:

http://www.artelista.com/hiperrealismo.html

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=3268

http://www.fotolog.com/cardinalsin/47766500

http://translate.googleusercontent.com/translate_c?hl=es&sl=en&u=http://www.statemaster.com/encyclopedia/Chuck-Close&prev=/search%3Fq%3DChuck%2BClose%2Bb.%2B1940%2BKiki,%2B1968%26hl%3Des%26sa%3DG&rurl=translate.google.com.ar&twu=1&usg=ALkJrhhxjWBonFJJMarC5M77yL9xFuDZ4A

http://www.donrelyea.com/cgi-bin/blosxom.cgi/2007/04/

El Arte Óptico

El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art o Op-Art. 
Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. En este, se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos.

Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. 
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión. 

El Op-Art se caracteriza por varios aspectos:

·         La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas.

·         Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.

·         Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.

·         En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.

·         Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.

·         El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Artista Seleccionado:

Victor Vazarely

Víctor Vasarely nacido en Pércs, Hungria, 9 de abril de 1908 Comenzó a estudiar medicina en Hungria, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bahuaus. Le atrajeron Mondrian y Mallevich y se interesó por la astronomia.

Fue considerado el padre del Op-Art y durante los años 60′ y 70′ sus imágenes ópticas se convirtieron en parte de la cultura popular. Su lema era “Arte para todos”. Fue además un teórico congruente, que prefería ser llamado artesano antes que artista. Por otra parte, consecuente con sus teorías, creía en la desaparición de la obra única, singular, y aboga por el futuro ‘democrático’ de los ‘múltiples’ o repetición industrial y serigráfica del mismo modelo. Sus experimentos cinéticos, que transformaban la superficie plana en un mundo de infinitas posibilidades, mucho antes del advenimiento de los ordenadores, marcaron una era en la historia del arte. Para él la noción de movimiento se relaciona con la ilusión del espacio. De la unión entre estos dos elementos nace la obra plástica.

Triond (1973)

Durante la Segunda Guerra Mundia, Vazarely  inicia una serie de investigaciones en el campo de la óptica a partir de los medios pictóricos elementales:la linea, el color y el plano. La linea es desplazada por figuras geométricas -círculos v cuadrados-. El color, inicialmente puro y plano, es sustituido por materiales plásticos y heterogéneos -pinturas acrílicas y luminosas-. La composición del plano carece de tridimensionalidad y, en cambio, crea ilusorios espacios multidimensionales. Estos elementos básicos de la pintura se ven complementados por el factor cinético. La idea del movimiento había obsesionado a Vasarely, su pretensión es que su pintura se mueva: hecha para la observación del espectador, sólo cuando este mira, la pintura alcanza la perfección y el pintor acaba la obra. La obra no es estática, al mirarla cambia, y no tiene un significado único ni definitivo.

Enlaces:

http://my.opera.com/arte_optico/blog/2007/11/20/definicion-del-arte-optico-op-art

http://www.conexioncentral.com/blog/2009/11/06/el-op-art-victor-vasarely/

http://www.webdelabelleza.com/maquillaje/este-otono-estetica-mod

http://aquileana.wordpress.com/2007/10/03/victor-vasarely/

http://www.xtec.es/~jarrimad/contemp/triond.html

El Arte Cinético

El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o que parecen tenerlo. Son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. En este último caso de cinetismo virtual, se habla de Op Art.

Fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70, en la que los artistas jugaban con los colores, las luces, las sombras, incluso con técnicas ópticas o la ayuda del viento, con un sólo propósito: generar sensación de movimiento.

Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.
Alguno de los autores fueron Leonardo da Vinci y Rafael, Caravaggio y Georges de la Tour.


Artista Elegido:

Jesús Soto:

Pintor y escultor venezolano, figurativo en sus comienzos, que derivó al cubismo, la abstracción geométrica y el cinetismo virtual. Uno de sus mayores logros fue integrar al espectador en la obra con la creación de espacios penetrables. Nació en 1923 en Ciudad Bolívar, Venezuela, donde realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas entre 1942 y 1947, año en que es nombrado director de la Escuela de Artes Plásticas Julio Arraga de Maracaibo (1947-1950). Desde 1950 vive en París, pero viaja periódicamente a Venezuela. En sus primeras obras se acusa la influencia de Paul Cézanne y el gusto por la geometrización de las formas en los paisajes (Paisaje de Maracaibo, 1949) naturalezas muertas, retratos (La dama griega, 1949), pero con su traslado a París, donde toma contacto con las vanguardias y estudia a Malevitch y Mondrian, evoluciona hacia una abstracción geométrica. Las primeras obras parisinas corresponden a su preocupación por crear superficies de dinamismo visual en base al color, la forma geométrica y la ambigüedad forma-fondo (Composition dynamique, 1951). A partir de 1953 realiza los primeros trabajos de cinetismo virtual, efecto obtenido tras separar el fondo y la forma: la primera sobre una placa transparente de plexiglás y la segunda sobre una placa de madera colocada a 10 centímetros y ambas fijadas con varillas metálicas.

Obra destacada:

La Cajita de Villanueva

Pintada con acrílico, es una obra realizada con un múltiple paralelepípedo compuesto de tres láminas de plexiglás transparente de forma cuadrada presentando las tramas siguientes: En el ángulo inferior derecho, trama azul vertical y cuadrado virtual transparente; en el ángulo superior izquierdo, trama en blanco vertical y cuadrado virtual transparente, y en el ángulo inferior izquierdo, trama en negro vertical y cuadrado virtual transparente.

Enlaces:

http://artespana.nosdomains.com/nicaso/movimientos/cinetico.htm
http://museosdevenezuela.org/Colecciones/colecciones.php?id=1141
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2991

El Are Pop

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.

Este movimiento nació en 1954 cuando Lawrence Alloway utiliza por primera vez el término pop art. Con esta abreviatura Alloway se refería al arte popular que estaba creando la publicidad de masas, y que tenía como objeto principal los intereses colectivos del pueblo, aunque éste no fuera su destinatario. Se trataba de un arte ciudadano, originario de las grandes ciudades y totalmente alienado de la naturaleza, un arte que usaba imágenes conocidas con un sentido diferente para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad de consumo.

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

Lichtenstein decía:

Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo.

Artista elegido:

Andy Warhol:

Andy nació en 1928 en Pittsburgh como el hijo de inmigrantes eslovacos. Su nombre original era Andrew Warhola. Su padre era como un trabajador de la construcción y murió en un accidente cuando Andy tenía 13 años.

Andy mostró un talento precoz en el dibujo y la pintura. Después de la escuela secundaria estudió arte comercial en el Carnegie Institute of Technology de Pittsburgh. Warhol se graduó en 1949 y se fue a Nueva York donde trabajó como ilustrador para revistas como Vogue y Bazar Harpar y la publicidad comercial. Pronto se convirtió en uno de Nueva York más buscados de ilustradores y de éxito comercial.

Marilyn Monroe

Andy Warhol pintó varias versiones de Marilyn Monroe, usando diferentes colores, tamaños y formatos. El artista quedó fascinado con la fama para sí, sino también de aquellos que eran famosos. Warhol pintó muchas otras celebridades y gente icónicos de la historia.

Enlaces:
http://www.artelista.com/arte-pop.html
http://www.arteespana.com/artepop.htm
http://www.artelino.com/articles/andy_warhol.asp

El Surrealismo

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.


Técnicas Surrealistas:


El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage al asamblaje de objetos incongruentes como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural pintado en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924, poco después de conocer a Bretón. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista. Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Bretón, "...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo..."; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en un sola configuración. Oscar Domínguez inventó la de calcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen).
Miró fue para Bretón el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.




Los artífices del surrealismo:


Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.


Obra Elegida:

La persistencia de la memoria de Salvador Dalí.

Aquí, Dalí se inicia con sus famosos relojes blandos. El decía que no eran otra cosa que el queso Camembert del espacio y el tiempo, suave, extravagante, solitario y paranoico-crítico. En este autorretrato, un Dalí similar al que aparece en  “El gran masturbador” (1929), se encuentra inmóvil y con la lengua afuera. Aparte de los insectos, se encuentra aislado en un paisaje árido y caluroso. En estas condiciones, la percepción del tiempo y del espacio,  y el comportamiento de los recuerdos, adquieren formas blandas que se ajustan a las circunstancias. Veinte años más tarde en  “La desintegración de la persistencia de la memoria” (1952), Dalí descompone estas imágenes incorporando el conocimiento de las consecuencias del uso destructivo de la energía atómica.

Dalí fue un pintor surrealista español nacido en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria (1931, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington). La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres.

Enlaces:

http://www.arteespana.com/surrealismo.htm

http://www.3d-dali.com/Tour/persistencia.htm

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=224